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Santo StefanoSaint StephenSanto Stefano
GiottoGiotto
Museo HorneHorne MuseumMusée Horne, FirenzeFlorenceFlorence, ItaliaItalyItalie
Tempera e oro su tavolaTempera and gold on wood Tempera et or sur bois, 84 x 54 cm., year 1330 - 1335

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Per le misure e la forma, la tavola, acquistata a Londra agli inizi del Novecento da Herbert Percy Horne, era stata associata alla Madonna col Bambino della National Gallery di Washington e ai due santi Giovanni Evangelista e Lorenzo del Museo Jacquemart-André di Chaalis, ma indagini recenti hanno chiarito la preparazione a terra verde e non rossa come gli altri, smentendo l'appartenenza ad un medesimo polittico. La qualità molto alta e la vicinanza stilistica con gli affreschi della Cappella Bardi di Santa Croce hanno consentito l'attribuzione a Giotto quasi concordemente accettata. Sul fondo oro prezioso e metafisico risalta l'elegante figura del santo a mezzo busto. La dalmatica, che ricorda il suo stato di diacono, bianca e luminosa brilla per l'elegantissima decorazione geometrica di impianto orafo che suggerisce oro e smalti, mentre le pieghe della ampia manica in primo piano piombano pesanti in cadenze classiche. I due sassi sulla testa simbolo del martirio non scalfiscono la serena dolcezza del volto dagli occhi allungati. La mano affusolata regge e mostra un libro coperto da un panno rosso e oro che ricade con attento realismo ma anche con un acuto simbolismo. In antico la copertura (velatio) delle mani e degli oggetti indica il rispetto dovuto alla sacralità: il libro allude alle Scritture, che Stefano conosceva assai bene come dimostra la sua difesa davanti al Sinedrio contro l'accusa di blasfemia, ma anche alla sua predicazione. Il protomartire infatti, il primo ad essere martirizzato nel nome di Cristo, come si legge negli Atti degli Apostoli, era uno dei sette diaconi scelti dagli apostoli per diffondere la fede e per questo lapidato. La ieratica bellezza del santo, sottolineata anche dall'eleganza delle lettere puntinate sull'aureola che ricordano i caratteri islamici tanto di moda, la raffinatezza delle decorazioni e la dolcezza del volto rivelano la conoscenza dell'ambiente senese che tuttavia si lega alla solidità dell'impianto e alla volumetria del corpo, che domina lo spazio con il sapiente trapasso cromatico e la linea di contorno energica e decisa, come nelle altissime prove del Giotto maturo. Interprete del suo tempo che umanizzava i fatti sacri cercando di comprenderli, audacemente libero dopo l'eliminazione dei modi bizantini toppo a lungo e ormai stancamente ripetuti, Giotto è un pittore "moderno" che rimarrà un punto di riferimento non solo stilistico ma soprattutto interpretativo, come aveva acutamente sottolineato Cennino Cennini “Rimutò l’arte di dipingere di greco in latino, e ridusse al moderno: et ebbe l’arte più compiuta ch’avessi mai più nessuno”.

Testo di Giovanna Lazzi

©Tutti i diritti riservati

This panel was bought in London by Herbert Percy Horne in the early 1900s. Due to its size and form, it was associated with the Madonna and Child at the National Gallery in Washington and the two saints John the Evangelist and Laurence in Museo Jacquemart-André in Chaalis, but recent investigation has indicated preparation on green ground, rather than red as on others, so it cannot belong to the same polyptych. The high quality and stylistic closeness to the frescoes in the Bardi Chapel of Santa Croce have made attribution to Giotto almost unanimously agreed upon. The elegant, half-bust figure of the saint stands out against the precious gold, metaphysical background. The bright, white dalmatic, recalling his status as deacon, shines with the elegant, goldsmith-like decoration suggesting gold and enamel, while the folds of the wide sleeve in the foreground fall heavily in classical cadences. The two rocks on the head, the martyr’s symbol, do not spoil the serene sweetness of the long-eyed face. The tapered hand holds and shows a book covered by a red and gold drape, falling with both attentive realism and acute symbolism. In antiquity, the covering (velatio) of hands and objects indicated respect due to sacredness: the book alludes to the Scriptures, which Stephen knew very well, as is shown by his defence before the Sanhedrin against the accusation of blasphemy, but also his preaching. In fact the proto-martyr, the first to be martyred in the name of Christ, as the Acts of the Apostles say, was one of the seven deacons chosen by the apostles for spreading the faith and wich is way he was stoned. The saint’s hieratic beauty, also underlined by the elegant letters dotted on the halo and recalling highly fashionable Islamic characters, the refined decorations and the sweet face reveal awareness of the Siena environment, though it is tied to the solid layout and body volumes, dominating the space with the wise chromatic transfers and energetic, resolute frame lines, as in the highest works of the mature Giotto. Interpreter of his time, humanising scared deeds in an attempt to understand them, and audaciously free after the elimination of overly long, tiresomely repeated Byzantine ways, Giotto is a "modern" painter who will remain a stylistic, but mainly interpretative reference point, as Cennino Cennini accurately stressed: “He changed the art of painting from Greek to Latin, and reduced to modern: and he had the most accomplished art anyone would ever have”.

Text by Giovanna Lazzi

©All Rights Reserved

La très haute qualité de la peinture et la proximité stylistique avec les fresques de la Chapelle Bardi de Santa Croce ont permis de l’attribuer à Giotto, ce qui a été presque unanimement accepté. Sur le fond or précieux et métaphysique se distingue l’élégante figure du saint en demi-buste. La dalmatique, qui rappelle son statut de diacre, brille, blanche et lumineuse grâce à la très élégante décoration géométrique de l’ouvrage d’orfèvrerie suggérant or et émaux, tandis que les plis de la large manche tombent lourdement en cadences classiques. Les deux pierres sur sa tête, symbolisant son martyre, n’entament pas la sereine douceur du visage aux yeux étirés. La main fuselée soutient et montre un livre recouvert d’un drap rouge et or qui retombe avec un réalisme zélé, mais aussi un symbolisme aigu. Dans les temps anciens la couverture (velatio) des mains et des objets indiquait le respect dû à la sacralité : le livre fait référence aux Écritures, qu’Étienne connaît très bien comme le démontre sa défense devant le Sanhédrin contre l’accusation de blasphème, mais également à sa prédication. Le protomartyr, en effet, le premier à être martyrisé au nom du Christ, comme on le lit dans les Actes des Apôtres, était l’un des sept diacres choisis par les apôtres pour répandre la foi, et fut lapidé pour cette raison. La beauté hiératique du saint, que souligne aussi l’élégance des lettres en pointillé sur l’auréole rappelant les caractères islamiques alors à la mode, le raffinement des décorations et la douceur du visage révèlent le savoir-faire du milieu artistique de Sienne, qui s’associe à la solidité de la construction et à la volumétrie du corps, dominant l’espace avec le savant transfert chromatique et la ligne de contour énergique et ferme, comme dans les essais d’une qualité exceptionnelle datant de la maturité de Giotto.

Interprète de son temps, humanisant les faits sacrés tout en essayant de les
comprendre, avec une liberté pleine d’audace, et après avoir éliminé les modes
byzantins répétés pendant trop longtemps et jusqu’à l’épuisement, Giotto sà affirme comme un peintre « moderne » qui restera un point de référence non seulement pour le style, mais surtout pour l’interprétation, comme l’avait très justement souligné Cennino Cennini : « Il changea l’art de peindre du grec en latin, et en vint au moderne : il obtint l’art le plus accompli que personne n’eut jamais plu ».

Texte de Giovanna Lazzi 

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