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Presentazione di Gesù al Tempio (Scomparto di Predella della Pala Oddi)The Presentation in the Temple (Part of the Oddi Altarpiece Predella)Présentation de Jésus au Temple (panneau de la prédelle du Retable Oddi)
Raffaello SanzioRaphaelRaffaello Sanzio
Musei VaticaniVatican MuseumsMusées du Vatican, Città del VaticanoVatican CityCité du Vatican, Stato del VaticanoVatican StateÉtat du Vatican
Tempera grassa su tavolaTempera grassa on wood, 27 x 50 cm., anno 1502 - 1503

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La scena, ambientata all’interno di uno spazio architettonico rappresentato in modo prospettico, che si apre verso un esteso paesaggio, è risolta tutta sul primo piano e i personaggi occupano una limitata profondità. L'elaborata intelaiatura degli archi e delle colonne divide nettamente le scene inquadrando i gruppi degli attori. Al centro il sacerdote Simeone accoglie il Bambino dalle braccia di Maria, che indossa l'abito rosso con ampio mantello azzurro dell'iconografia tradizionale. I lunghi capelli biondi raccolti in una semplice acconciatura sottolineano la grazia del volto, mentre la figura si atteggia ad una garbata torsione in corrispondenza con quella di Giuseppe, creando armoniche cadenze quasi ritmiche. Una specie di regola interna informa anche gli altri gruppi, ognuno dei quali appare isolato, inquadrato nel vano creato dalle architetture, inserito nel suo luogo deputato secondo un'impostazione decisamente da palcoscenico, dove l'elaborata mensa-altare dal piedistallo a forma di vaso, quasi un'allusione al calice eucaristico, si impone nel suo modellato scultoreo creando una sorta di raccordo. In questa rigorosa partizione dello spazio, che acquista valori morali, gli atteggiamenti di alcune figure assumono un sentore particolare. Il gesto gentile del bimbo che si volta verso la madre in una tenera ricerca di protezione è una prova di quanto l'artista sarà interessato alla rappresentazione dei rapporti umani, dei moti degli affetti anche all'interno delle scene sacre. Persino la scala cromatica contribuisce a scandire luoghi e ruoli: il primo piano è caratterizzato dai toni saturi e brillanti delle vesti sottolineati dal luminoso ocra delle colonne, mentre il paesaggio si stempera nei passaggi più freddi dell'azzurro intenso del cielo e verde scuro per le colline. Molto semplice l'abbigliamento all'antica tipico del piano sacro dell'azione, con poche concessioni alla moda a parte qualche tocco di esotismo nelle fogge dei copricapo. Come l' Annunciazione, anche la Presentazione al Tempio deriva dall'analoga scena della Pala di Fano del Perugino, di cui si riprende il gruppo centrale mentre i personaggi comprimari si ispirano anche alle figure dello Sposalizio della Vergine ancora del Perugino (Caen, Musée des Beaux-Arts, 1501-4), soprattutto l'uomo con cappello e mantello colto di schiena. La dilatazione dello spazio e l'uso consapevole del colore e della luce, oltre alla grazia e alla scioltezza delle figure conferiscono uno spirito diverso rispetto al modello, con esiti già personali che prendono le distanze dal maestro. Disegni preparatori sono conservati all’Ashmolean Museum di Oxford, in cui sono state riconosciute vicinanze con Filippo Lippi, e al British Museum di Londra per la Donna con le colombe, in cui si manifesta lo  studio sui drappeggi, anch'esso di stampo peruginesco.

Testo di Giovanna Lazzi

 

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The scene is set within an architectural space depicted with perspective, opening up towards a wide countryside, and is fully solved by the close-ups as subjects occupy limited depth. The eleborate frame of the arches and columns clearly divides the scenes, fixing the groups of actors. At the centre, the priest Simeon welcomes the Child from the arms of Mary, who wears the red dress with its wide blue neck in accordance with traditional iconography. Her long, blonde hair, gathered into a simple style, highlights the grace of her face, while the figure approaches a polite twist which corresponds to Joseph’s to create almost rhythmical harmonic cadences. A type of inner rule also informs other groups, each of which appears isolated, fixed in the doorway created by the architecture, inserted into its appointed place according to a highly theatrical layout, where the elaborated table-altar of the vase-shaped pedestal, almost an allusion to the chalice of the Eucharist, asserts itself in its sculptural model to create a kind of link. In this rigorous partition of the space, which takes on moral value, the attitudes of several figures assume a special ethos. The kind gesture of the child turning towards his mother in a tender search for protection demonstrates how far the artist has been involved in portraying human relationships and the motions of affection, even within the holy scenes. The chromatic scale also contributes to setting out places and roles: the foreground is characterised by the full, gaudy tones of the clothes, highlighted by the luminous ochre of the columns, while the landscape is attenuated in the colder passages of the intense blue sky and dark green hills. The simple, ancient-style clothing is typical of the holy level of the action, with few concessions to fashion apart from some esoteric touches in the style of the head covering. Like the Annunciation, the Presentation at the Temples derives from the analogous scene from the Fano Altarpiece by Perugino, taking up its central group, while the supporting subjects are also inspired by the figures in the Marriage of the Virgin, also by Perugino (Caen, Musée des Beaux-Arts, 1501-4), especially the man in the cloak and hat caught from behind. The dilatation of space and aware use of colour and light, as well as the grace and ease of the figures, create a different spirit from the model, with personal results already taking distance from the master. Preparatory sketches are conserved at the Ashmolean Museum, Oxford, in which similarities to Filippo Lippi have been found, and the British Museum, London, for the Woman with Doves, which displays study of drapes, also close to Perugino in style.

Text by Giovanna Lazzi

 

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La scène, située dans un espace architectural représenté en perspective, qui s'ouvre sur un large paysage, se déploie tout entière au premier plan, et les figures y occupent une profondeur limitée. La charpente complexe des arcs et des colonnes sépare nettement les scènes en encadrant les groupes des personnages. Au centre, le prêtre Siméon accueille l'Enfant que lui tend Marie, habillée d’une robe rouge avec le manteau bleu de l'iconographie traditionnelle. Les longs cheveux blonds de la Madone, serrés dans une coiffure simple soulignent la grâce du visage, tandis que sa figure se tord doucement en correspondance avec celle de Joseph, en créant des cadences harmoniques presque rythmiques. Une sorte de règle interne modèle également les autres groupes, dont chacun apparaît isolé, encadré dans l'espace créé par l'architecture, inséré à sa place désignée selon une approche résolument scénique, où la table d’autel, au piédestal en forme de vase – presque une allusion au calice eucharistique – s'impose dans son modelage sculptural créant une sorte de connexion. Dans cette partition rigoureuse de l'espace, qui se charge de valeurs morales, les attitudes de certaines figures prennent un sens tout à fait particulier. Le geste doux de l'enfant qui se tourne vers sa mère dans une tendre recherche de protection prouve combien l'artiste est intéressé à la représentation des rapports humains, des mouvements des affects jusqu’au cœur de la scène sainte. La gamme chromatique contribue aussi à rythmer les lieux et les rôles : le premier plan est caractérisé par les tons saturés et brillants des vêtements, soulignés par l'ocre vif des colonnes, tandis que le paysage se détrempe dans les parties plus froides du bleu intense du ciel et du vert foncé des collines. Vêtements anciens très simples, typiques du plan d'action sacré, avec peu de concessions à la mode si ce n'est quelques touches d'exotisme dans la forme des chapeaux. Ainsi que l'Annonciation, la Présentation au Temple dérive elle aussi de la scène analogue du Retable de Fano du Pérugin, dont il reprend le groupe central, alors que les personnages tout autour, surtout l'homme au chapeau et au manteau vu par le dos, s'inspirent également des figures du Mariage de la Vierge du Pérugin même (Caen, Musée des Beaux-Arts, 1501-4). L'expansion de l'espace par l'utilisation consciente de la couleur et de la lumière, ainsi que la grâce et la fluidité des figures, créent un esprit différent par rapport au modèle, avec des résultats désormais personnels qui l'éloignent du maître.

Texte de Giovanna Lazzi

 

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